Arta antica. Introducere. Artă antică în stilul arhitecturii și interioarelor Care este semnificația artei antice

Prefaţă

Crearea unui manual i se pare autorului a fi cea mai importantă sarcină printre alte forme de muncă științifică. Într-o monografie dedicată unui personaj care a fost puțin sau deloc studiat, autorul se găsește mai liber, rămâne singur cu materialul - material, studii sursă, istoric, literar, arhivistic, în timp ce la redactarea unui manual se confruntă. cu o serie lungă de predecesori și o uriașă moștenire istorică, din care este necesar să se selecteze cele mai importante, caracteristice, strălucitoare, eliminând cele mai puțin semnificative și, după ce a tras „linia principală”, să prezinte propriul concept de complex și multifațetat. istoria artei plastice, sacrificând uneori propriile pasiuni și hobby-uri de dragul evaluărilor imparțiale și al caracterului constructiv al prezentării.

Importanța cunoașterii sistematice în zilele noastre a scăderii neîndoielnice a nivelului de educație și a sofisticarii tinerei generații, o scădere bruscă a interesului pentru lectură, în special pentru literatura clasică, încurajează autorul să creeze foarte atent și atent o imagine generală a lumea artistică, etapele individuale ale dezvoltării artei în diferite țări, stilistica diferitelor epoci, caracteristicile celor mai remarcabili maeștri.

Materialul enorm din Antichitate și până în prezent, cu o anumită limitare în dimensiunea cărții, desigur, nu poate fi prezentat la fel de detaliat. În diferite etape ale dezvoltării artei, atenția cititorului se concentrează asupra tipurilor de artă care exprimă cel mai clar epoca (de exemplu, arhitectura și sculptura din Antichitate, arhitectura și sculptura monumentală din Evul Mediu, pictura renascentist etc. .), pe acele țări care în perioada descrisă s-au dovedit a fi cele mai importante pentru dezvoltarea artelor (Grecia Antică; Bizanț; Italia Renașterii; Italia, Franța, Olanda, Flandra, Spania secolului al XVII-lea; Italia sau Franța secolului al XVIII-lea etc.), în timp ce maeștrii cei mai de seamă, care reprezintă cel mai pe deplin evoluția artei, li se acordă mici capitole eseuri monografice.

Arta nu se poate dezvolta în afara timpului și spațiului, indiferent de istorie, religie, moralitate, știință, filozofie sau de caracteristicile naționale ale culturii țării în cauză. Toate cele de mai sus determină și componența cărții.

Manualul este însoțit de ilustrații - cele mai caracteristice opere de artă ale unei anumite epoci - și o listă de literatură recomandată pentru a extinde înțelegerea materialului prezentat.

ARTA ANTICĂ

Arta lumii antice înseamnă, în primul rând, arta Greciei și Romei, care, la rândul lor, în conformitate cu tiparele istorice, au propria lor periodizare. Studiul artei antice începe cu arta egeeană - arta popoarelor care au trăit în bazinul mediteranean, apoi greacă propriu-zisă: Grecia homerică, arhaică greacă, clasică grecească și arta elenistică. Periodizarea artei romane va fi discutată mai jos.

Arta lumii egeene

Cultura egeeană (creto-miceniană), care s-a dezvoltat în mileniile III-II î.Hr., a fost creată de triburile care trăiau pe insula Creta, pe peninsula Peloponez și pe coasta de vest a Asiei Mici. În 1871, arheologul german Heinrich Schliemann (1822-1890) a săpat mai multe orașe „pre-homerice” pe Dealul Hissarlik (Turcia modernă), care pot fi datate din mileniul III î.Hr. şi care se referă la preistoria culturii egeene. La scurt timp, Schliemann a început săpăturile în Peloponez, unde, împreună cu arheologul german Wilhelm Dörpfeld (1853-1940), a săpat Micene. La începutul secolului al XX-lea. Arheologul englez Arthur Evans (1851-1941) a dezvăluit lumii arhitectura și pictura Palatului Knossos din Creta (de aceea arta egeeană este numită și cretano-miceniană). Evans a fost primul care a pus problema legăturii dintre arta cretană și arta Orientului Antic, în primul rând Egiptul, și a contribuit, de asemenea, la periodizarea culturii egeene. Perioadele în care Evans și-a propus să împartă cultura Egee sunt numite minoice - timpuriu, mijlociu și târziu - numite după legendarul rege al insulei Creta Minos. Poetul roman Virgiliu în secolul I. î.Hr. a scris despre Creta și trecutul ei: „Creta, insula marelui Zeus, se află în mijlocul mării, munții Ideilor sunt acolo, leagănul eului familiei noastre O sută de orașe sunt locuite de regate mari și bogate ...” (vezi fresca „Femeia pariziană” de pe insertul color).

La începutul mileniului II î.Hr. Creta a început să fie construită cu orașe. În secolul al VIII-lea î.Hr. Knossos devine principalul oraș al Cretei. Din câte se poate aprecia din săpături, Palatul Knossos a fost creat de arhitecți antici cu mare pricepere, ținând cont de trăsăturile peisajului. Palatul este situat pe un deal jos. Centrul complexului arhitectural este o curte dreptunghiulara (60 x 28 m), in jurul careia incaperile sunt grupate liber si natural. În diferitele sale părți, palatul avea etaje diferite: apartamentele regale au fost înlocuite cu camere de zi mai modeste, sanctuare - gimnazii, piscine (cretanii cunoșteau apă curgătoare), zone deschise (după cum sugerează oamenii de știință, pentru spectacole teatrale și ceremonii religioase). ).

Acrobați cu un taur. Fragment dintr-o frescă a Palatului Knossos. Heracleion, Muzeul de Arheologie

Palatul din Knossos este construit din cărămidă brută și piatră; O caracteristică a tehnicii sale de construcție sunt coloanele de lemn pe o bază de piatră, care se extind în sus. Au fost pictați pereții sălilor de ceremonie ale palatului (anterior se credea că sunt fresce, adică vopsele în apă pe tencuială udă, dar cercetările tehnice și tehnologice moderne au stabilit că aceasta este tempera). Culorile negru, alb, albastru, roșu, galben alcătuiesc paleta festivă. Imaginile sunt surprinse realitatea: flori, papirus, frunze de palmier, palmete, crini, păsări, pisici, maimuțe. Figura unui taur apare deosebit de des: jocurile cu acest animal aveau aparent o distribuție specială și un fel de semnificație rituală. În sala tronului Palatului Knossos, pe fundalul roșu al zidului, printre papirusuri sunt înfățișate creaturi fabuloase - grifoni (lei cu capete de vultur). Pe pereții Palatului Knossos sunt multe figuri umane, fie îndeplinesc un fel de rit religios, fie apar ca afluenți cu daruri, participanți la spectacole teatrale, sărbători (vezi fresca „Băieții boxați” de pe insertul color). Toate acestea sunt descrise viu, direct, liber, cu inevitabilele realități vii ale vieții de zi cu zi. Convenția înfățișării figurilor umane se reflectă în faptul că fața este de obicei înfățișată în profil, iar ochii (ochii) în față. În scenele cu taurul, figurile sunt disproporționate - taurul (întotdeauna foarte mare) și oamenii.

Este semnificativ faptul că în Creta nu au fost găsite clădiri religioase sau temple, se pare că cretanii se închinau zeilor în natură, în crângurile sacre sau în peșteri. Dar se cunoaște un mare relief (mai mult de 2 m înălțime) pictat cu imaginea Regelui Preot – singurul exemplu de sculptură monumentală care a ajuns până la noi. Nu au fost găsite sculpturi rotunde, cum ar fi statui mari ale zeilor. Figurine mici, sculpturi în piatră, obiecte artistice din bronz, aur și argint, ceramică pictată se găsesc în cantități mari în Creta și toate sunt de înaltă calitate artistică. Acestea sunt vaze în stilul „Kamares” (după numele peșterii în care au fost găsite) cu desene geometrice, florale și animale stilizate. Cretanii au fost deosebit de pricepuți în a transmite lumea regatului subacvatic: caracatița înfățișată pe una dintre vaze pare să se miște de-a lungul suprafeței sale, îmbrățișând pradator vasul ca și cum ar fi prada lui.

Pe la mijlocul mileniului II î.Hr. Aheii au invadat Creta de pe continent, iar orașele cretane au primit o lovitură zdrobitoare. Dezastrul (erupția vulcanică de pe insula Santorini și inundația ulterioară) a accelerat distrugerea orașelor cretane. Aceasta a fost nu mai devreme de mijlocul mileniului II î.Hr. și chiar mai probabil începutul celei de-a doua jumătăți, căci sub domnitorul grec Minos (secolul al XV-lea î.Hr.), al cărui nume este asociat cu celebra legendă a Minotaurului, Creta era încă un stat puternic. Palatul Knossos ar fi putut foarte bine să se transforme în legendarul Labirint în imaginația grecilor, iar picturile înfățișând jocuri cu un taur au dat naștere imaginii unui jumătate taur, jumătate om, proprietarul Labirintului Minotaurului. , care a devorat tineri și tineri frumoși - tributul pe care Atena îl plătea redutabilei Crete la fiecare nouă ani, până când regele atenian, eroul Tezeu, nu a ucis monstrul și nu a ieșit din Labirint cu ajutorul firului. pe care i-a dat Ariadna.

În a doua jumătate a mileniului II î.Hr. centrul civilizației egeene se mută în sudul Peninsulei Balcanice, la Micene și Tirin. Locuitorii acestor locuri - grecii ahei - și-au construit orașele fortificate pe dealuri înalte, întărindu-le cu ziduri, de unde și denumirea de acropolă - orașul de sus, unde au fost construite palatele regale. Astfel, zidurile de nouă sute de metri din Micene au o grosime de 6 până la 10 m, iar zidurile Tirinului au 17,5 m și sunt realizate din blocuri de piatră cu o greutate de 5-6 tone. Nu întâmplător o astfel de zidărie a fost numită ciclopică se potrivește cu adevărat cu Ciclopii giganți, și nu cu simplii muritori.

Poarta de la cetatea Micene (sec. XIV î.Hr.) a fost numită Poarta Leului, deoarece deasupra travei sale se află o lespede înfățișând leii - strajerii porții; aceasta este singura sculptură monumentală din arta miceniană. În plus, apariția reliefului pe bara transversală a porții nu a fost doar o nevoie estetică, ci și una tehnică: îndepărtarea inevitabil a excesului de piatră la crearea reliefului a ușurat greutatea părții superioare, adică. traverse de poartă. Prin poartă, o potecă între ziduri paralele duce la un deal, în centrul căruia se află Palatul Micenian, un complex mai ordonat decât „labirintul” Palatului Knossos. Cetatea-palat micenian este un prototip al unei locuințe grecești. Centrul său este megaronul - o sală mare de ceremonie dreptunghiulară cu un șemineu în mijloc, care servea pentru adunări și sărbători ceremoniale. În jurul vetrei, patru coloane susțin un baldachin cu o gaură pentru fum. Locuințele și încăperile utilitare sunt grupate în jurul megaronului. Mai mare decât cea a cretanilor, militanța aheilor s-a reflectat și în subiectele frescelor, unde se preferă clar scenele de vânătoare și bătălii, însă desenul în sine este mai sec și mai clar, iar compozițiile sunt mai statice. și mai predispus la simetrie. O mare convenționalitate și stilizare sunt caracteristice ornamentelor de pe vaze.

Poarta Leului. Micene

Mormintele supraviețuitoare ale regilor aheilor ne oferă o idee despre arhitectura aheilor. Există două tipuri de morminte: ax, i.e. morminte dreptunghiulare în stâncă (sec. XVI-XV î.Hr.), și cele cu cupolă - așa-numitele tholos (sec. XV-XIV î.Hr.). Cel mai faimos mormânt a fost găsit de Schliemann la poalele Acropolei miceniene și a fost numit de acesta vistieria lui Atreus - după regele Atreus, tatăl lui Agamemnon, domnitorul Micenei și erou al Iliadei lui Homer. Un coridor duce la mormânt - dromos - 36 m lungime și 6 m lățime; intrarea înaltă de 10 m este acoperită cu o lespede monolitică cu greutatea de 100 de tone. Diametrul interiorului mormântului este de 14,5 m, înălțimea bolții cu cupolă este de 13,2 m.

Homer a numit-o pe Micene bogată în aur și pe bună dreptate. Arheologii au găsit multe măști de aur care au fost puse pe fețele morților; plăci întregi subțiri de foi de aur împodobeau hainele domnitorului decedat, armele și ustensilele trimise cu el în viața de apoi. Îmbrăcămintea pentru femei conține o mulțime de bijuterii: diademe de aur, brățări, inele. Micenienii iubeau în special vasele de aur sub formă de capete de animale și păsări sau cu imagini în relief ale scenelor de vânătoare furtunoase.

„Masca lui Agamemnon”. Atena, Muzeul Național de Arheologie

Campaniile aheilor au servit drept complot pentru poeziile nemuritoare ale lui Homer: după cum sugerează istoricii, în jurul anului 1240 î.Hr. Triburile aheilor au intrat în război împotriva regatului troian. Dar vitejii ahei la mijlocul secolului al XII-lea. î.Hr. cucerit de triburile doriene. Moartea lui Micene, Tirint și alte orașe din Peninsula Peloponeziană a însemnat sfârșitul civilizației Egee. Cu toate acestea, contribuția moștenirii creto-miecene la arta Greciei s-a dovedit a fi enormă și nu știm ce cale ar fi urmat dezvoltarea ei dacă nu ar fi existat „labirinturile” cretane cu picturile lor strălucitoare și ciclopicul. zidăria Micenelor „bogate în aur”.

V. Lista artefactelor principale.

IV. Bibliografie.

III. Arta perioadei homerice.

arta miceniana.

cultura cretană.

I. Caracteristici generale ale artei antice.

II. Perioada antică – cultura egee.

Civilizația europeană își are rădăcinile în perioada antichității. Cultura antică a Mediteranei este considerată cea mai mare creație a omenirii. Limitată de spațiu (în principal coasta și insulele Mării Egee și Ionică) și timp (din mileniul II î.Hr. până în primele secole ale creștinismului), cultura antică a extins granițele existenței istorice, declarându-se semnificația universală a arhitecturii și sculpturii. , poezie epică și dramaturgie, științe ale naturii și cunoștințe filozofice. În termeni istorici, antichitatea se referă la perioada istoriei care acoperă societatea sclavagească greco-romană.

Conceptul de antichitate în cultură a apărut în timpul Renașterii. Aceasta este ceea ce umaniștii italieni au numit cea mai veche cultură cunoscută de ei. Acest nume a rămas cu el până în zilele noastre ca un sinonim familiar pentru antichitatea clasică, separând tocmai cultura greco-romană de lumile culturale ale Orientului antic.

Cultura antică este cosmologică și bazată pe principiul obiectivismului în general, se caracterizează printr-o abordare rațională (teoretică) a înțelegerii lumii și, în același timp, percepția ei emoțională și estetică, logica armonioasă și originalitatea individuală în rezolvarea problemelor sociale; -probleme practice si teoretice.

Materialul istoric complex și divers este de obicei împărțit în mai multe perioade, în funcție de care se construiește istoria artei:

1. Perioada antică - cultura egee (secolele 30 -20 î.Hr.)

2. Perioada homerică (secolele XI – VIII î.Hr.)

3. Perioada arhaică (secolele VII – VI î.Hr.)

4. Perioada clasică (secolul al V-lea - până în ultima treime a secolului al IV-lea î.Hr.)

5. Perioada elenistică (ultima treime a secolului al IV-lea - secolul I î.Hr.)

6. Perioada de dezvoltare a triburilor Italiei - cultura etrusca (secolele VIII - II i.Hr.)

7. Perioada republicană a Romei Antice (secolele V-I î.Hr.)

8. Perioada imperială a Romei Antice (secolele I – V d.Hr.)

Sursele istoriei antice sunt relativ rare și sunt împărțite în principal în două grupe, materiale și scrise. Pentru cele mai vechi perioade ale istoriei antice, monumentele de cultură materială și de artă sunt principala, și uneori singura sursă. Pentru etapele ulterioare ale istoriei societății sclavagiste, sursele scrise joacă un rol vital, inclusiv documente oficiale și private, scrisori, memorii, discursuri, precum și literatura istorică, artistică, științifică și filozofică.

II. Perioada antică – cultura egeeană (creto-miceniană).

Cultura a atins o strălucire deosebită în secolele 30-20. î.Hr., în timpul epocii bronzului, în Creta, pe alte insule (Melos, Amorgos, Thera, mai târziu Cipru) și în centrul și sudul Greciei continentale.

Perioada culturală secolele 30 – 20. î.Hr. numită în mod obișnuit cultură egeeană. Răspândirea acestei culturi acoperă zone din Marea Egee, unde săpăturile arată mai multe zone cu propriile caracteristici culturale originale și în același timp conectate, împletite între ele.

Cultura Egee este prima etapă a culturii antice. Se caracterizează prin umanism, optimism, perfecțiune ridicată a imaginilor artistice, armonie și proporționalitate. Principalele centre ale acestei culturi sunt insula Creta și orașul Micene din Peloponez. De aici și al doilea nume al culturii egeene – Creto-Micenian.

2.1. Cultura cretană (secolele 30 – 12 î.Hr.).

Înaintea altor zone ale Mării Egee, Creta a pornit pe calea dezvoltării intensive în timpul epocii bronzului. Se mai numește și cultura cretană minoică, numit după legendarul rege Minos.

1. minoic timpuriu (secolele 30-23/21 î.Hr.),

2. Minoica mijlocie (secolele 23/21 - 16 î.Hr.)

3. Minoic târziu (sec. 16-12 î.Hr.).

Prima perioadă a înfloririi magnifice a Cretei în lumea Egee a început la începutul secolelor 30-20. î.Hr e., pe vremea când strămoșii grecilor de mai târziu au invadat Peninsula Balcanică. Dar aceasta era deja perioada minoică mijlocie, despre care în Creta putem vorbi de perioada „primelor palate”. Palatele, reconstruite constant și devenind din ce în ce mai magnifice de-a lungul a două secole și jumătate, sunt decorate cu colonade și fresce.

Una dintre principalele descoperiri ale acestei perioade a fost, găsită în timpul săpăturilor de către arheologul A. Evans, un palat egal ca suprafață cu un oraș întreg - așa-numitul Labirintul Knossos. Cel mai mare arhitect Daedalus a construit un labirint cu pasaje atât de complicate încât nimeni nu a putut găsi o cale de ieșire din el.

De fapt, a găsit Evans ansambluri întregi de clădiri care se grupează în jurul unei curti mari. Sunt situate complex la diferite niveluri, conectate prin scări și coridoare. O mare varietate de structuri au fost construite în jurul curții spațioase pavate cu piatră. Podelele palatului se sprijineau pe coloane și erau legate prin scări monumentale. Sute de săli și încăperi erau destinate recepțiilor ceremoniale și serveau drept camere pentru rege și familia sa.

În decorul camerelor Pictura pe perete ocupă un loc important. Luxul mobilierului și decorul luminos al interiorului vorbesc despre bogăția și semnificația lui Knossos.

Fragmentele de frescă care au supraviețuit ne dezvăluie natura picturii cretane în această epocă.

Reprezentarea figurii umane și a animalelor corespunde încă pe deplin principiilor artistice care s-au dezvoltat în secolele precedente, adică mișcarea este transmisă cu acuratețe, dar se păstrează și unele convenții: imaginea ochiului este dată din față cu o poziție de profil a feței, figurile bărbaților sunt pictate în tonuri închise (maro), femeile - în culori deschise (alb, gălbui) (Fig. 129). Mișcarea unui tânăr care poartă un rhyton, a unui prinț care merge (Fig. 130) și a acrobaților cu un taur sunt caracterizate în mod expresiv. Un sentiment subtil de efect decorativ se manifestă în selecția de combinații de maro roșcat, albastru strălucitor și galben în figura unui tânăr cu un rhyton, albastru și violet pe rochia unei doamne, supranumit „parizian”„(Fig. 131). Dar nu este vorba doar de imaginea în sine. Aruncă o privire mai atentă asupra conturului: ce linie plină de viață, vibrantă și, în același timp, precisă, încrezătoare în expresivitatea ei laconică și ce ludic în schema de culori, ce eleganță plină de voce, născută din spontaneitatea unei trecătoare viziune. Picturile vorbesc despre viața de curte a Palatului Knossos, afirmă măreția domnitorului, bogăția și puterea lui.

Pereții Palatului Knossos sunt acoperiți cu numeroase fresce, cu o imagine recurentă a unui taur. Un taur uriaș într-un galop furios. Figura sa alungită în mod deliberat, cu masa sa puternică, umple aproape întreaga frescă. Și în fața lui, în spatele lui și pe el sunt acrobați zvelți care execută cele mai periculoase exerciții. Și totul în această compoziție este atât de vioi, atât de impetuos și, în același timp, atât de relaxat, încât din nou îi percepi viziunea trecătoare ușoară și plăcută. Ce a arătat artistul? Un joc, doar un joc, grațios, vesel, în ciuda pericolului

În perioada minoică târzie, o sală a tronului a fost decorată în partea de vest a palatului cu un scaun de tron din piatră (alabastru) și bănci pentru bătrâni. Pereții sălii sunt pictați sub forma unei frize late: pe părțile laterale ale tronului și pe pereții laterali sunt doi grifoni culcați simetric pe malul râului, parcă păzind domnitorul. Figurile acestor monștri fantastici și flori stilizate de pe mal sunt interpretate decorativ.

Sculpturile de dimensiuni mici ajung la flori deosebit de strălucitoare. Imaginea unei figuri umane se distinge prin construcția corectă proporțională, expresivitatea mișcării. Figurinele de zeițe (sau preotese) cu șerpi în mână, găsite în ascunzătoarea Palatului Knossos, sunt pline de grație și feminitate (Fig. 132). Fețele lor, deși frumoase, nu sunt foarte expresive. Maeștrii au dobândit o vitalitate deosebită în reliefurile de pe vasele din Agia Triada, realizate din steatită. Scenele de lupte cu pumni și joc cu un taur pe o vază în formă de corn (rhyton) sunt dinamice, figurile sunt pozate în unghiuri îndrăznețe. Interpretarea fețelor de pe reliefuri este condiționată: de exemplu, pe vaza din steatită cu alaiul de treieratori (Fig. 133), toate fețele sunt aceleași și întoarse numai de profil, cu ochiul arătat din față. Dar acest lucru nu l-a împiedicat pe maestru să-i înfățișeze pe cei patru cântăreți care însoțeau alaiul cu umor subtil și acuratețe anatomică. Maeștrii cretani obțin o mare sinceritate în înfățișarea animalelor și a plantelor: de exemplu, fresce din Agia Triada; reliefuri de faianta - o capra cu iezi (Fig. 134), o vaca cu vitel, o vaza cu crini din Knossos.

Creația de opere de artă trece din ce în ce mai mult în mâinile meșterilor special angajați în acest lucru. În această perioadă lucrează muncitori calificați cu experiență maeștri profesioniști de pictură a vaselor care au o cantitate inepuizabilă de modele, combinații ornamentale și tehnici de decorare a vaselor(Fig. 135). Subiectele din viața mării pe fresce și vaze sunt deosebit de dezvoltate. Un exemplu foarte frapant stilul „marin”. este un tablou pe o vază cu imaginea unei caracatițe (Fig. 136). În perioada minoică târzie, natura picturii în vază s-a schimbat. Noile tehnici sunt numite stilul „palat”.. Esența sa este că fiecare parte a designului pare să sublinieze arhitectura rafinată a navei.

Sfârșitul perioadei minoice târzii (secolele XIV – XII î.Hr.) este momentul descompunerii culturii cretane. Perioada minoică târzie corespunde simultan cu înflorirea unui număr de așezări pe Grecia continentală, care au devenit principalele centre culturale din bazinul Mării Egee. Între secolele 22-20. î.Hr e. A existat un mare avans al triburilor grecești din nordul Peninsulei Balcanice, unul dintre ei, aheii, așezat în Peloponez, unde așezările de la Micene și Tirint au devenit cele mai puternice și mai bogate.

Sfârșitul perioadei minoice târzii (secolele XIV-XII î.Hr.) este momentul descompunerii culturii cretane. Este posibil ca palatele din Creta să fi fost distruse ca urmare a acțiunii militare. Arta din Creta, Thera și Melos este arta palatului, care s-a dezvoltat și a înflorit în primul rând în cadrul culturii palatului. Odată cu distrugerea centrelor palatului, au pierit și atelierele palatului de ceramisti, pictori și sculptori, care au creat acolo o tradiție artistică puternică de secole. În artă, tendința realistă de a transmite lumea vie dispare. Acum, în Creta, schematizarea este clar evidentă în reprezentarea oamenilor, animalelor și florei; Unele subiecte și motive se mai păstrează în imagini artistice ca o relicvă a perioadelor anterioare, de exemplu, o vacă cu vițel (sarcofag din Gurnia), femei în rochii din aceleași stiluri, cu fuste largi și sâni deschiși. Interpretarea naturii ne arată o abordare complet diferită - se pare că maestrul a observat puțin din natură, priceperea profesională este complet pierdută aici. Picturile dispar, lăsând doar plastic mic și ceramică. Printre vazele acestei perioade predomină vase de așa-numit tip micenian cu reprezentări schematice ale florei și lumii marine.

2.2. Arta miceniană (secolele XVII – XIII î.Hr.).

Când cultura cretană a dispărut, cultura miceniană, apropiată în spirit de ea, a existat pe continentul grecesc timp de aproximativ trei secole. Micene, situată pe teritoriul Greciei continentale, în secolele al XVII-lea - al XIII-lea. î.Hr e. transformat într-unul dintre cele mai mari centre de înaltă cultură. Perioada de glorie a culturii miceniene, care s-a dezvoltat sub influența puternică a Cretei minoice, este considerată a fi perioada secolelor XVI-XII. î.Hr e. Gloria lui Micene a dispărut între 1200 și 1150 î.Hr. e., când triburile doriene au distrus fortificaţiile miceniene.

Orașul Micene a fost înconjurat de un zid de cetate lung de 900 m și grosime de 6 m, care împrejmuia o suprafață de peste 30.000 de metri pătrați. m. La poarta orașului se afla o întinsă necropolă (acropolă) cu morminte uriașe cu cupolă. De aici vine numele Stilul arhitectural micenian - monumentalitate „ciclopeană”. Printre ei, așa-zișii „Tezaurul regelui Atreus”(Fig. 137) cu un perimetru de 14,5 m și o înălțime de 13,2 m au fost găsite în morminte numeroase bijuterii prețioase. Acesta este un mormânt mare cu cupolă, cu un coridor - dromos, acoperit de așa-numita „boltă falsă”, care este formată din rânduri concentrice de zidărie suprapuse.

Puterea lui Micene a crescut în perioada care coincide cu perioada minoică mijlocie III.În acest moment a fost întărită Acropola din Micene și a fost construit primul palat. Cele mai vechi ziduri de cetate înconjurau clădirile palatului (aceasta este o mare diferență față de palatele cretane); a fost construit un cimitir în afara zidurilor pe acropole.

Înmormântările în acropole au fost efectuate în așa-numitul mormintele mele. Mai târziu, la mijlocul mileniului, când zona acropolei s-a extins, noi înmormântări au fost mutate în afara acropolei, iar locul vechilor morminte cu puț a fost înconjurat de plăci așezate în cerc.

Lucruri artistice, descoperite în morminte cu arbore, pot fi împărțite în trei grupe: unele realizate local și în stil local; altele influențate de arta cretană, iar altele importate. Prima grupă cuprinde stele de pietre funerare din calcar cu reliefuri (Fig. 138), măști de aur întinse pe chipurile morților (Fig. 139), vase de argint și aur cu reliefuri, pumnale de bronz cu incrustații de aur.

Analiza primului și celui de-al doilea grup de lucruri arată apropierea artei miceniene de cretană. Produsele cretane importate au devenit modele pentru meșterii micenieni. Dar scenele de război și vânătoare sunt caracteristice doar Peloponezului.

Cu toate acestea, bogăția enormă descoperită în mormintele acestei necropole arată că și în acea perioadă îndepărtată Micene era centrul unui stat mare. Creșterea bunăstării lor materiale a permis mai târziu conducătorilor din Micene să întreprindă o reconstrucție grandioasă a zidurilor cetății. Una dintre aceste schimbări a fost construcția "Poarta Leului"(Fig. 140).

Poarta este alcătuită din două plăci colosale, așezate vertical și acoperite de o a treia lespede uriașă, deasupra căreia se continuă zidăria, formând o deschidere triunghiulară pentru a ușura peretele deasupra plăcii transversale.

Acest triunghi liber, așa-numita boltă falsă, este acoperită cu o lespede uriașă triunghiulară cu o imagine în relief a două leoaice. Doi prădători uriași și-au sprijinit labele din față pe un piedestal pe care stă o coloană de tip egean, adică înclinându-se în jos. Deasupra stâlpului se află o parte a tavanului din grinzi rotunde. Leoaicele care păzesc intrarea în palat sunt primul exemplu în arta egeeană a sculpturii monumentale. Figurile de animale expresive sunt interpretate realist.

Compoziția plăcii (două figuri simetrice pe părțile laterale ale imaginii centrale, așa-numita „compoziție heraldică”) a fost creată în Asia de Vest, dar maestrul micenian, în locul arborelui sacru caracteristic artei orientale, a plasat o arhitectură arhitecturală. detaliu simbolizând palatul regal.

În secolul al XIII-lea î.Hr. scara s-a extins palat din acropola miceniană. Planurile palatelor peloponeziane diferă de cele cretane: Aceasta este o serie de clădiri izolate relativ mici, cu acces la o curte comună. Localul palatului, așa-numitul „megaron” al regelui și al reginei, era format din trei părți: un vestibul, decorat sub formă de portic cu două coloane, un mic hol de intrare și un hol, în centrul căruia se afla era un șemineu. Patru coloane în jurul vetrei susțineau un tavan care se ridica ușor deasupra acoperișului; orificiul dintre tavanul coloanelor și acoperiș a servit drept coș de fum. Megaron (13 x 12 m) era construit din piatră tăiată și avea tavan din lemn. Pereții din interiorul megaronului au fost tencuiți și vopsiți. Fragmente de frescă din megaronul micenian fac posibilă reconstituirea subiectelor picturilor - scene de vânătoare, de război, de luptă. Natura picturii și convențiile în desen sunt aceleași ca în cretană, dar imaginile cu oameni și animale sunt mai schematice și mai uscate, decorativitatea primează în fața veridicității.

Mișcarea de la nord a unui nou val de triburi grecești - dorienii - a distrus vechile centre ale culturii egeene și a oprit dezvoltarea artei realiste pentru o lungă perioadă de timp, dar tradițiile artei egeene și-au păstrat puterea în dezvoltarea grecilor antici. artă pentru o lungă perioadă de timp; s-au manifestat în planurile templelor asemănătoare megaronului, în pictura monumentală, în unele subiecte și tehnici de compoziție și în tehnologia ceramicii.

Realizarea maeștrilor egeeni în anul 1 mie î.Hr. e. a devenit moștenirea elenilor. Este sigur să spunem că fără aceasta, monumentele clasice ale artei grecești antice, care au devenit celebre în întreaga lume, nu ar fi fost create.

III. Arta perioadei homerice (secolele XI – IX î.Hr.).

Perioada istoriei grecești din secolele XI până în secolele IX. î.Hr e. Se obișnuiește să-l numim „homeric”, deoarece principala sursă scrisă pentru studiul său sunt poemele lui Homer „Iliada” și „Odiseea”.

Baza societății grecești a fost organizarea clanului, în care, sub influența dezvoltării forțelor productive, proprietatea privată se găsea deja, inegalitatea proprietății creștea și se creau condițiile prealabile pentru formarea unui sistem de sclavi. Grecia a fost împărțită în mici regiuni independente. Forma politică a acestui sistem de tranziție a fost democrația militară, degenerând treptat în puterea unei aristocrații tribale.

Până în secolul al VIII-lea, și poate și până în secolul al IX-lea. î.Hr e., includ și cele mai vechi rămășițe ale monumentelor de arhitectură greacă timpurie (templul lui Artemis Orthia din Sparta, templul din Thermos din Etolia, templul amintit din Dreros din Creta). Au folosit unele tradiții ale arhitecturii miceniene, în principal planul general asemănător megaronului; altarul-vatră a fost plasat în interiorul templului; Pe fatada, ca si in megaron, au fost amplasate doua coloane. Cele mai vechi dintre aceste structuri aveau pereți din cărămidă de noroi și un cadru de lemn, așezat pe un soclu de piatră. S-au păstrat rămășițele placajei ceramice ale părților superioare ale templului. În general, arhitectura Greciei în perioada homerică se afla la stadiul inițial al dezvoltării sale.

Sculptura monumentală a Greciei homerice nu a ajuns în vremea noastră. Caracterul ei poate fi judecat din descrierile autorilor antici. Tipul principal al acestei sculpturi au fost așa-numitele xoans - idoli din lemn sau piatră și reprezentând aparent un trunchi de copac prelucrat grosier sau un bloc de piatră, completat cu o imagine abia conturată a capului și a trăsăturilor faciale. O idee despre această sculptură poate fi dată de imaginile din bronz simplificate geometric ale zeilor găsite în timpul săpăturilor unui templu din Dreros din Creta, construit în secolul al VIII-lea. î.Hr e. dorienii, care se stabiliseră deja pe această insulă cu mult înainte.

O idee binecunoscută a artei plastice a Greciei din această perioadă poate fi formată din ceramică pictată și sculpturi mici.

Legătura de legătură dintre cultura Egee și cea greacă sunt vazele pictate ale așa-numitului stilul „protogeometric”.(secolele XI-începutul al X-lea î.Hr.). Ornamentarea lor este slabă; este alcătuită din linii simple și ondulate în jurul corpului vazei sau cercuri concentrice dispuse într-o friză. Cu toate acestea, tradițiile meșteșugărești din epocile trecute nu sunt uitate. Ca și în epocile anterioare, se folosește o roată de olar, tehnica ceramică se bazează pe o bună prelucrare a argilei, iar lacul strălucitor este încă folosit pentru aplicarea desenelor.

În secolele X-VIII. î.Hr e. se dezvoltă un stil artistic „geometric”, numite așa pentru că toate ornamentele și chiar imaginea oamenilor și animalelor de pe un plan sunt construite din cele mai simple elemente geometrice - linii drepte și întrerupte, triunghiuri, cercuri.

Pictura în vază a stilului geometric a fost larg răspândită în toată Grecia continentală, pe insulele Mării Egee și în orașele grecești din Asia Mică, dar peste tot avea propriile sale caracteristici locale. Cea mai frapantă expresie a stilului geometric a fost găsită pe vazele de lucru atic. În suburbiile Atenei s-au descoperit vaze de diverse forme: amfore (Fig. 141), cratere, cupe - Ceramica, unde locuiau și lucrau olari, iar în necropola din apropierea orașului Poarta Dipylon, de unde și numele acestui grup de vase - Vaze „Dipylon”.

secolul al IX-lea î.Hr e. - perioada de glorie a stilului geometric decorativ; În același timp, ornamentul de meandru a apărut în picturile de vaze, care a fost ferm inclus în arta decorativă a lumii antice. Pictura pe vaze se face cu lac maro, dar in functie de ardere poate fi aproape neagra, maro si rosu. Modelele, aranjate în curele de-a lungul vazei, sunt numeroase combinații de zig-zag, triunghiuri, rozete cu patru petale, cercuri concentrice și zvastica - un semn magic care simbolizează punctele cardinale.

De la sfârşitul secolului al IX-lea. î.Hr e. Pe vaze încep să apară imagini cu animale - capre, cai, păsări de apă și oameni.

Meșterii, pentru care compunerea ornamentelor era o sarcină comună, s-au confruntat cu o sarcină nouă și dificilă de a înfățișa o persoană și nu aveau încă capacitatea de a transmite o nouă temă, cu excepția priceperii de a desena modele geometrice.

Mai întâi, figura umană este desenată în siluetă, capul este prezentat în profil, corpul în față, picioarele în profil (Fig. 142). Animalele sunt, de asemenea, desenate schematic.

În a doua jumătate a secolului al VIII-lea. î.Hr e. Odată cu dezvoltarea vieții sociale în Grecia, gama de subiecte se extinde. Acum vedem pe vaze scene de lupte pe mare și pe uscat, dansuri rotunde, muzicieni, competiții atletice și imagini mitologice. Figura umană este desenată mai veridic, nu doar nasul, ci și bărbia este indicată pe față, sunt desenate și părul și hainele.

Stilul geometric a apărut și în sculptură. Mică artă plastică secolele 9-8. î.Hr e. din lut, bronz, os. Până la începutul secolului al IX-lea. î.Hr e. raporta figurine de idoli de lut, cu un gât nefiresc de lung, trăsături faciale abia conturate și picioare grosolan sculptate. În figurine din secolul al VIII-lea. î.Hr e. S-a realizat o construcție mai corectă a figurii umane, s-au făcut primele încercări de modelare a feței, brațelor și picioarelor. Cu toate acestea, corpul este încă rezolvat sub forma unui triunghi plat. Figurine de călăreți, războinici, un plugar, cai (Fig. 143), un căprior, un grup: un erou care se luptă cu un centaur (Fig. 144), un vânător cu câini și un animal sălbatic sunt figurine donate templelor..

În stadiul considerat al artei arhaice grecești, trebuie evidențiată în special a doua jumătate a secolului al VIII-lea. î.Hr e. - o perioadă de dominație economică și politică a nobilimii tribale, bazată pe forme primitive de proprietate asupra pământului și sclavie.

În acest secol, a fost stabilită tema principală în artă - omul -, iar compozițiile cu mai multe figuri au apărut pentru prima dată în arta greacă.

Perioada homerică este cea mai importantă etapă a artei grecești timpurii. Este valoroasă pentru formarea unui sistem strict de vederi și idei mitologice, care a stat la baza dezvoltării tuturor tipurilor de artă în Grecia. În același timp, au fost puse bazele arhitecturii templului, sculpturii monumentale și picturii Hellas.

Biletul 1

Artă antică. Caracteristici generale. Etape de dezvoltare. Imperiul Roman. Grecia.

Materialul istoric complex și divers este de obicei împărțit în mai multe perioade, în funcție de care se construiește istoria artei:

1. Perioada antică - cultura egee (secolele 30 -20 î.Hr.)

2. Perioada homerică (secolele XI – VIII î.Hr.)

3. Perioada arhaică (secolele VII – VI î.Hr.)

4. Perioada clasică (secolul al V-lea - până în ultima treime a secolului al IV-lea î.Hr.)

5. Perioada elenistică (ultima treime a secolului al IV-lea - secolul I î.Hr.)

6. Perioada de dezvoltare a triburilor Italiei - cultura etrusca (secolele VIII - II i.Hr.)

7. Perioada republicană a Romei Antice (secolele V-I î.Hr.)

8. Perioada imperială a Romei Antice (secolele I – V d.Hr.)

· perioada anterioară - Arta egee (arta creto-micenică)- Secolul XXX î.Hr. - Secolul al XII-lea î.Hr.

· arta aheo-minoică

1. Perioada geometrică(„Grecia homerică”) - cca. 1050 î.Hr.-VIII. î.Hr.

1. Protogeometria(perioada submicenică) - cca. 1050 î.Hr. 900 î.Hr

2. Geometrie(înflorire) - cca. 900 î.Hr. 750 î.Hr

3. Perioada geometrică târzie(Depylon) - ca. 750 î.Hr. - început. secolul VII î.Hr.

2. Perioada arhaică- secolul al VII-lea BC - timpuriu Secolul V î.Hr.

1. arhaic timpuriu- începutul secolul VII î.Hr. - anii 570 î.Hr.

2. Arhaic matur- anii 570 î.Hr. - 525s î.Hr.

3. Arhaic târziu- 525s î.Hr. - 490 de ani î.Hr.

3. Perioada clasică- Secolul V BC - mijlocul. secolul IV î.Hr.

1. clasic timpuriu(„Stil strict”) - etajul 1. Secolul V î.Hr.

2. Înalt clasic- Etajul 2 Secolul V î.Hr.

3. Clasic târziu- secolul al IV-lea î.Hr.

4. perioada elenistică- domnule. secolul IV î.Hr. - Secolul I î.Hr.

Epoca Geometriei

Amforă geometrică târzie, c. 725-700 BC, Luvru

· Epoca a fost numită după tipul de pictură în vază.

Cultura antică greacă a acestei perioade se caracterizează printr-o legătură cu cultura aheilor și, prin intermediul acestora, cu arta creto-miecenică.

În această perioadă, se desfășoară un proces de ucenicie bazat pe moștenirea Mării Egee și a anticului răsăritean. Noile triburi care au venit în peninsulă încep din nou, folosind ceea ce a rămas în teritoriile ocupate de predecesorii lor. În arhitectură, elenii din perioada Geometrică au început de la zero - cu cărămidă de noroi (perioada anterioară a fost caracterizată de zidăria ciclopică). Megaron evoluează dintr-un palat într-un templu: în locul vechilor megarons apar noi sanctuare grecești, repetându-și tipologia. Clădirile, cu arhitectură din chirpici-lemn, cu tavane de tip șold, de obicei dreptunghiulare, înguste și alungite, puteau fi vopsite.

· Templul lui Apollo Carnean pe insula Thera- creat pe baza unui megaron existent anterior.

· Templul lui Artemis Orthia din Sparta.

· Templul lui Apollo la Thermosa (Fermă).

Cel mai bine este reprezentat tabloul care a dat numele perioadei. Stilul ei se bazează pe geometrizarea caracteristică a Egeei târzii. În protogeometrie, au început să fie folosite instrumente - busole, rigle. În perioada de glorie a geometriei, predominau în mare parte vasele închise, întreaga suprafață a cărora era acoperită cu modele geometrice. Încep să se formeze caracteristici specific grecești: pictura bazată pe registru, precum și modele - meandre, dinți, triunghiuri, valuri, grile.

Geometrie târzie

Cal, bronz, Olympia, ca. 740 î.Hr Louvre

A fost numită era geometriei târzii "Depilonsky" din vase găsite la Poarta Depylon din Atena. Încep să facă inserții de panglică pe cele mai importante caracteristici, folosesc compoziții figurative mari și apar imagini cu animale geometrizate. Calitatea ceramicii se îmbunătățește, apar forme mari. Centre - în Argos, Beotia, Attica. Picturile sunt realizate folosind lac maro(moștenirea aheilor). În perioada ulterioară, încep să fie adăugate violet și alb. Așa-numitul apare în desene. soluție de covor.

Imaginile oamenilor sunt realizate practic conform canonului egiptean antic. Le place foarte mult imaginea cailor. Suprafața vazelor este lustruită - acestea sunt trecute cu lac lichid diluat, obținându-se o culoare roz-aurie. Regia se caracterizează prin stil rafinat, tectonicitate crescută și proporții remarcabile.

Nu au supraviețuit sculpturi mari. Formele mici sunt de obicei împărțite în mai multe stiluri:

· Stil „corp” - figurine masive, piatră, teracotă, pictate în stil geometric

· stilul „membrelor extinse” - metal, atașare excelentă la proporții reale.

Perioada arhaică (secolele VII - VI î.Hr.)[modifica | editați textul wiki]

secolul al VII-lea BC - timpuriu 5. c. î.Hr. În perioada arhaică, au apărut cele mai timpurii forme de artă greacă antică - sculptura și pictura în vază, care au devenit mai realiste în perioada clasică ulterioară. Asociate cu perioada arhaică târzie sunt stiluri de pictură în vază, cum ar fi ceramica cu figuri negre, care a apărut în Corint în secolul al VII-lea. î.Hr e. În ceramică apar treptat elemente necaracteristice stilului arhaic și împrumutate din Egiptul Antic - cum ar fi poziția „picior stâng înainte”, „zâmbetul arhaic”, o imagine stilizată șablon a părului - așa-numitul „păr de cască”. În epoca arhaică s-au format principalele tipuri de sculptură monumentală - statui ale unui tânăr atlet gol (kouros) și unei fete drapate (kora).

Sculpturile sunt realizate din calcar și marmură, teracotă, bronz, lemn și metale rare. Aceste sculpturi - atât de sine stătătoare, cât și sub formă de reliefuri - au fost folosite pentru decorarea templelor și ca monumente funerare. Sculpturile descriu atât scene mitologice, cât și viața de zi cu zi. Statuile în mărime naturală apar brusc în jurul anului 650 î.Hr. e.

Capul unui kouros, Muzeul Acropolei din Atena

elenism

Putem distinge 3 perioade ale elenismului ca sistem integral: 1) 334-281. î.Hr î.Hr. - formarea imperiului lui Alexandru cel Mare și prăbușirea acestuia ca urmare a războaielor diadohilor; 2) 280 î.Hr î.Hr. - mijlocul secolului al II-lea î.Hr î.Hr. – perioada de maturitate a elenismului dezvoltată în ultimul secol al existenței sale. 3) Mijlocul secolului al II-lea. î.Hr e. - 30 î.Hr - perioada declinului elenismului și a morții acestuia.

Templele grecești antice

Principala sarcină arhitecturală a grecilor a fost construirea de temple. A dat naștere formelor artistice, care au fost ulterior transferate în structuri de diferite tipuri. De-a lungul întregii vieți istorice a Greciei Antice, templele sale au păstrat același tip de bază, care a fost adoptat ulterior de către romanii antici. Templele grecești nu erau ca templele din Egiptul Antic și din Orient: nu erau temple misterioase colosale, inspirate din punct de vedere religios, ale unor zeități formidabile și monstruoase, ci locuințe prietenoase ale zeilor umanoizi, construite ca locuințele simplilor muritori, ci mai elegante și mai elegante. bogat.

Potrivit lui Pausanias, templele au fost inițial construite din lemn. Apoi au început să fie construite din piatră, dar s-au păstrat unele elemente și tehnici de arhitectură din lemn. Templul grecesc era o clădire de mărime în cea mai mare parte moderată, care stătea în interiorul unei incinte sacre pe o fundație de mai multe trepte și, în forma sa cea mai simplă, semăna cu o casă alungită, având în plan două pătrate puse împreună și un acoperiș cu fronton, destul de înclinat; una dintre laturile ei scurte nu ieșea în exterior cu un zid, care a fost înlocuit aici cu doi pilaștri de-a lungul marginilor și două (uneori 4, 6 etc., dar întotdeauna chiar la număr) stând în intervalul dintre ele, retrăgându-se ușor. mai adânc în clădire (de obicei cu ⅓ pătrat), era blocat de un perete transversal cu o ușă în mijloc, astfel încât s-a dovedit a fi ceva ca o verandă sau o intrare acoperită și o cameră interioară, închisă pe toate laturile - o sanctuar, unde stătea o statuie a zeității și unde nimeni nu avea dreptul să intre în afară de preoți. O astfel de clădire se numește „templu în pilaștri”. În unele cazuri, exact același pridvor ca pe fațada frontală a fost instalat și pe partea opusă. Pilaștrii și coloanele vestibulului susțineau tavanul și acoperișul, acesta din urmă formând deasupra lor un fronton triunghiular.

Arhaic

Această perioadă include sculpturi create între secolul al VII-lea î.Hr. și începutul secolului al V-lea î.Hr. Epoca ne-a oferit figuri de tineri războinici goi (kuros), precum și multe figuri feminine în haine (koras). Sculpturile arhaice se caracterizează printr-o oarecare schiță și disproporție. Pe de altă parte, fiecare lucrare a sculptorului este atrăgătoare pentru simplitatea și emotivitatea reținută. Figurile acestei epoci sunt caracterizate de un zâmbet pe jumătate, care conferă lucrărilor un oarecare mister și profunzime.

„Zeița cu rodie”, care se păstrează în Muzeul de Stat din Berlin, este una dintre cele mai bine conservate sculpturi arhaice. În ciuda rugozității exterioare și a proporțiilor „greșite”, atenția privitorului este atrasă de mâinile sculpturii, executate cu brio de autor. Gestul expresiv al sculpturii o face dinamică și mai ales expresivă.

„Kouros din Pireu”, care împodobește colecția Muzeului din Atena, este o lucrare ulterioară și, prin urmare, mai avansată a sculptorului antic. În fața privitorului este un tânăr războinic puternic. O ușoară înclinare a capului și a gesturilor mâinii indică o conversație pașnică pe care eroul o poartă. Proporțiile perturbate nu mai sunt atât de izbitoare. Iar trăsăturile feței nu sunt la fel de generalizate ca în sculpturile timpurii din perioada arhaică.

Clasic

Majoritatea oamenilor asociază sculpturile din această epocă specială cu arta plastică antică.

În epoca clasică, au fost create sculpturi celebre precum Atena Parthenos, Zeus Olimpian, Discobol, Doryphoros și multe altele. Istoria a păstrat pentru posteritate numele unor sculptori marcanți ai epocii: Polykleitos, Phidias, Myron, Scopas, Praxiteles și mulți alții.

Capodoperele Greciei clasice se disting prin armonie, proporții ideale (ceea ce indică cunoștințe excelente ale anatomiei umane), precum și conținutul intern și dinamica.

Este perioada clasică care se caracterizează prin apariția primelor figuri feminine nud (Amazonul rănit, Afrodita din Cnidus), care dau o idee despre idealul frumuseții feminine în perioada de glorie a antichității.

elenism

Antichitatea greacă târzie se caracterizează printr-o puternică influență orientală asupra întregii arte în general și asupra sculpturii în special. Apar unghiuri complexe, draperii rafinate și numeroase detalii.

Emoționalitatea și temperamentul oriental pătrunde în calmul și măreția clasicilor.

Afrodita din Cirene, care decorează Muzeul Roman al Băilor, este plină de senzualitate, chiar și ceva cochetărie.

Cea mai faimoasă compoziție sculpturală a epocii elenistice este Laocoon și fiii săi ai lui Agesander de Rodos (capodopera este păstrată într-una din Muzeele Vaticanului). Compoziția este plină de dramă, intriga în sine sugerează emoții puternice. Rezistând cu disperare șerpilor trimiși de Atena, eroul însuși și fiii săi par să înțeleagă că soarta lor este teribilă. Sculptura este realizată cu o precizie extraordinară. Figurile sunt plastice și reale. Chipurile personajelor fac o impresie puternică asupra privitorului.

Imperiul Roman

Arta Imperiului Roman se caracterizează, în primul rând, prin crearea de imagini ale împăratului - statui și portrete. Adesea, statuile din epoca clasică grecească au servit drept modele. În general, influența artei grecești a căpătat o putere fără precedent, mai ales la sfârșitul secolului I î.Hr. În sculptura greacă, maeștrii romani au descoperit acel limbaj plastic și acele metode de eroizare care au îndeplinit cel mai bine cerințele epocii începutului Imperiului.

Arhitectura Romei Antice

Construcția romană a fost inovatoare. Deși a beneficiat de realizările arhitecturii elenistice (cu spațialitatea sa dezvoltată), încă își implementează conceptul, cu o nouă abordare a spațiului și a formei arhitecturale. Arhitectura a fost alimentată de interesele practice și ideologice ale republicii, motiv pentru care progresul tehnologiei construcțiilor a decurs atât de rapid, mai ales în ceea ce privește sarcinile specifice (alimentare cu apă, stații de epurare, ziduri de susținere, vehicule militare, lagăre). În republica târzie se simțea deja nevoia de a decora orașul.

Baza arhitecturii Romei a fost arcul, care dă naștere unei bolți de butoi și unei bolți înclinate. Acest sistem stabil de forțe care se anulează reciproc vă permite să acoperiți un spațiu mare și să le delimitați. Arcul duce la inventarea cupolei.

Teatrul roman depinde și de grecul antic, dar romanii nu au folosit versanții naturali ai dealului, ci au construit pe teren plan în formă de inel mare de piatră. Orchestra își pierde treptat din importanță, transformându-se într-un loc VIP. Peretele din spate (skene) devine o structură arhitecturală. Dragostea pentru bătăliile de gladiatori a dus la apariția amfiteatrelor rotunde și ovale prin combinarea a două emisfere de oglindă.

Un alt tip de arhitectură augustană este arcul de triumf (de exemplu, la Rimini, Aosta, Susa), conducând istoria din arcul etrusc, completată de elemente clasice. Identificarea arcului ca tip independent de monument este un semn al dorinței romanilor de a întruchipa valorile ideologice ale întemeierii statului. În general, însuși conceptul de monument, atât de important pentru întreaga arhitectură romană, „este asociat cu dorința de a stabili o legătură concretă între trecutul istoric, prezent și viitor, exprimând în forme tangibile și durabile inviolabilitatea fundamentelor ideologice”

Amfiteatrul Flavian - Colosseumul - a devenit simbolul orașului. A căpătat o semnificație ideologică deosebită timp de milenii. Concursurile de circ care s-au desfășurat acolo au fost în același timp o „corteiune triumfătoare” care se desfășura constant în fața publicului. Amfiteatrul pentru 45 de mii de spectatori a fost atent proiectat, transportul și fluxurile pietonale au fost separate. Colosseumul a dominat peisajul, completând perspectiva monumentală a orașului. Pentru prima dată, clădirea a fost concepută ținând cont de rolul său în planificarea orașului, în raport cu mediul urban din jur.

pictura murala

Relieful Altarului Păcii

În arhitectura romană, peretele joacă rolul de delimitator de spațiu în plus, exercită spațiu în aerul din fața lui. În mod similar, fundul piscinei determină culoarea suprafeței apei. Peretele nu era un loc solid, ci un spațiu cu adâncime imaginară, prin urmare a servit drept loc pentru înfățișarea naturii, istoriei, mituri și a fost ca un „ecran de proiecție”.

Un exemplu tipic este Altarul Păcii, construit sub Augustus. Pe cele 4 laturi ale sale există reliefuri cu ornamente florale și figuri. Părțile proeminente ale basoreliefului interacționează cu spațiul, lumina, aerul, în timp ce alte straturi contribuie la distrugerea iluzorie a planului fizic și la crearea adâncimii imaginare. Avionul se dovedește a fi o „membrană de legătură” între spațiile naturale și cele imaginare.

pictura romana

„Nunta lui Aldobrandini” (fragment)

Pictura de șevalet a Romei nu a supraviețuit, dar este cunoscută din surse. Singurele exemple sunt imaginile incluse în picturile murale din Pompeii și Herculaneum. Pentru vechi, pictura era un mijloc de transmitere a imaginilor și nu se cerea să aibă structură corporală și greutate plastică. S-a rezumat la echilibrul de pete de culoare, lumină și tradiție și se referă la modelele grecești.

În Vila Misterelor din Pompei există o friză care înfățișează o ceremonie rituală. Figurile ies în evidență pe peretele roșu, care le evidențiază contururile precise cu o simplitate clasică. Contururile sunt create nu prin linii, ci prin contraste de culoare și, în același timp, artistul se străduiește să nu indice relieful trupurilor lor, ci să-și fixeze imaginile, să proiecteze aceste imagini eterice pe planul peretelui. Aceste picturi se bazează pe imitarea desenelor elenistice. Dar dovada originii lor romane este o interpretare în mod evident naturalistă, o grosieră a imaginii (cum s-a întâmplat cu etruscii). În peisaje și în special portrete, imaginea a fost exagerată pentru o mai mare verosimilitate. În peisaje, tehnicile sunt folosite pentru a transmite imagini iluzorii. În imaginea grădinii de la Vila Livia din Roma există un adevărat inventar de plante. Artistul întruchipează în pictură o imagine speculativă a naturii, pentru a cărei transmitere este potrivită o tehnică generalizantă, fluentă, schițată. Această tehnică devine și mai fluentă în picturile de catacombe creștine timpurii, unde imaginile simbolice ale sfinților nu au nicio legătură cu lumea reală.

Atunci când creau portrete, artiștii romani au plecat și de la un anumit „tip”, care a fost apoi înzestrat cu caracteristicile specifice unui chip individual. În portretele Fayum, fețele au fost înfățișate din față cu ochii larg deschiși, ceea ce indică „viața” lor. În acest fel, este utilizată selecția uneia sau a altei caracteristici fizionomice. Metoda de reprezentare se bazează nu pe natură, ci pe ideea tipului de persoană, de la care există apoi o mișcare spre natură, o mișcare de la general la particular, fără a intra în contact cu realitatea.

Sculptură

Sculptura romană a fost foarte influențată de sculptura greacă, care a fost facilitată de influența etruscilor, precum și de prezența la Roma a maeștrilor greci și de copii ale sculpturilor clasice. Portretele sculpturale romane diferă în realism de cele elenistice și etrusce, ceea ce se observă mai ales în măștile funerare romane.

Busturi portret din secolul I. î.Hr e. Ei sunt angajați nu numai în asemănări, ci și în reflectarea căii de viață a unei persoane. Cu toate acestea, asemănarea este extraordinară. O ușoară neregularitate - un arc puțin mai mare al sprâncenelor sau un pliu al buzelor - ajută la conferirea portretului cea mai adevărată asemănare. Această tehnică continuă chiar și în portretele oficiale. Portretul este o metodă de păstrare a istoriei.

Columna lui Traian (113 d.Hr.) prezintă o spirală de reliefuri care relatează isprăvile militare ale împăratului. Caseta de 200 de metri prezintă episoade din 2 campanii în Dacia. Evenimentele nu sunt împărțite în cele climatice, mișcarea este plină de viață - dar nu bruscă. Peisajul este transmis prin detalii - un val sau o bucată de perete. Nu se folosesc proporții normale.

Sub împăratul Commodus, a existat o nouă încercare de a insufla viață mișcării curții, chiar mai slabă și „manieristă”. Sub Gallienus, arta plastică a căpătat o tentă de nostalgie pentru clasicismul strict al lui Augustus, idealul vremurilor bune. Totuși, arta curții cedează din ce în ce mai mult presiunii tendințelor provinciale, care satisfac mai bine nevoile unei societăți pestrițe și stratificate, plină de învățături diferite.

Sarcofag, 170

Moda sarcofagelor cu reliefuri a început să prindă sub Hadrian. Mai târziu se răspândește din ce în ce mai mult datorită numărului mare de ateliere din Roma. Sunt folosite diverse subiecte - istorice, mitologice, alegorice; sunt extrase din repertoriul clasic care și-a pierdut deja relevanța. Sunt reproduse din memorie, completate cu detalii in functie de autor sau client. De obicei, acestea sunt teme elegiace despre viața trecătoare și moartea inevitabilă. Această dispoziție poetică duce la o încălcare a canoanelor clasice. Compoziția este diferită: narațiunea este fie continuă, fie subdivizată: orizontal în fâșii, vertical în nișe sau aedicule.

Organizarea spațiului

Orice compoziție de peisaj constă din elemente de următoarele tipuri:

· proiectat (loturi, alei, poteci)

· volumetrice (plante, tufișuri, copaci, clădiri, relief etc.)

· elemente plane (plate, gazon, gazon, iazuri)

O schemă de culori

Culoarea este unul dintre instrumentele principale cu care o compoziție de design peisagistic devine mai expresivă. Cea mai mare dificultate aici este necesitatea de a lua în considerare faptul că pe măsură ce anotimpurile se schimbă și plantele cresc, culoarea lor se schimbă. Iarna, copacii obișnuiți își pierd frunzișul, iar culoarea lor este determinată doar de culoarea trunchiului și a ramurilor, spre deosebire de vara. De obicei, fundalul peisajului este reprezentat de peluze cu iarbă care își schimbă culoarea din aprilie până în septembrie. Pe lângă culoare, o caracteristică importantă a obiectelor este și textura lor, care se referă la natura suprafeței lor.

Biletul 2

artă

Sculpturi din Catedrala Sfinților Mauritius și Ecaterina din Magdeburg, Germania

Portalul de perspectivă al Catedralei din Köln

Sculptură

Sculptura a jucat un rol imens în crearea imaginii catedralei gotice. În Franța, ea a proiectat în principal pereții exteriori. Zeci de mii de sculpturi, de la soclu până la vârfuri, populează catedrala gotică matură.

Relația dintre sculptură și arhitectură în gotic este diferită de cea în arta romanică. În termeni formali, sculptura gotică este mult mai independentă. Nu se subordonează în aceeași măsură planului zidului, cu atât mai puțin cadrului, precum era în perioada romanică. Sculptura monumentală rotundă se dezvoltă activ în gotic. Dar, în același timp, sculptura gotică este parte integrantă a ansamblului catedralei ea face parte din forma arhitecturală, deoarece, împreună cu elementele arhitecturale, exprimă mișcarea ascendentă a clădirii, sensul ei tectonic. Și, creând un joc impulsiv de lumini și umbre, acesta, la rândul său, însuflețește, spiritualizează masele arhitecturale și promovează interacțiunea acestora cu mediul aerian.

Sculptura gotică târzie a fost foarte influențată de arta italiană. În jurul anului 1400, Klaus Sluter a creat o serie de lucrări sculpturale semnificative pentru Filip de Burgundia, cum ar fi Madona de pe fațada bisericii înmormântării lui Filip și figurile Fântânii Profeților (1395-1404) la Chammol, lângă Dijon. În Germania, lucrările lui Tilman Riemenschneider, Veit Stoß și Adam Kraft sunt bine cunoscute.

Pictura

Mișcarea gotică în pictură s-a dezvoltat la câteva decenii după apariția elementelor stilului în arhitectură și sculptură. În Anglia și Franța, trecerea de la stilul romanic la stilul gotic a avut loc în jurul anului 1200, în Germania - în anii 1220, iar în Italia cel mai recent - în jurul anului 1300.

Artist necunoscut. Ioan cel Bun (1359). Unul dintre primele portrete gotice care a supraviețuit până în zilele noastre

Una dintre direcțiile principale ale picturii gotice a fost vitraliul, care a înlocuit treptat pictura în frescă. Tehnica vitraliilor a rămas aceeași ca în epoca anterioară, dar paleta de culori a devenit mult mai bogată și mai colorată, iar subiectele au fost mai complexe - alături de imagini cu subiecte religioase, au apărut vitralii pe teme de zi cu zi. În plus, nu numai sticla colorată, ci și sticla incoloră au început să fie folosite în vitralii.

Perioada gotică a cunoscut perioada de glorie a miniaturii cărților. Odată cu apariția literaturii seculare (romane cavalerești etc.), gama de manuscrise ilustrate s-a extins și au fost create și cărți de ore și psalmi bogat ilustrate pentru uz casnic. Artiștii au început să se străduiască pentru o reproducere mai autentică și mai detaliată a naturii. Reprezentanți proeminenți ai miniaturii cărților gotice sunt frații Limburg, miniaturiștii de curte ai ducelui de Berry, care au creat celebra „Magnifica carte de ore a ducelui de Berry” (circa 1411-1416).

Genul portretului se dezvoltă - în loc de o imagine convențională abstractă a unui model, artistul creează o imagine dotată cu trăsături individuale inerente unei anumite persoane.

Domnia de aproape o mie de ani a canoanelor bizantine în artele plastice se încheie. Giotto în ciclul de fresce al Capelei Scrovegni înfățișează oameni din profil, așând figuri în prim plan cu spatele la privitor, rupând tabuul picturii bizantine sub orice unghi, altul decât cel frontal. Își face personajele să gesticuleze, creează un spațiu în care o persoană se mișcă. Inovația lui Giotto este evidentă și în apelul său la emoțiile umane.

Încă din ultimul sfert al secolului al XIV-lea, artele vizuale ale Europei au fost dominate de un stil numit mai târziu gotic internațional. Această perioadă a fost de tranziție către pictura Proto-Renaștere.

Biletul 3

Biletul 4

Proto-Renaștere

Proto-Renașterea este strâns legată de Evul Mediu, cu tradițiile romanice și gotice, această perioadă a fost pregătirea pentru Renaștere. Este împărțit în două subperioade: înainte de moartea lui Giotto di Bondone și după (1337). Cele mai importante descoperiri, cei mai străluciți maeștri trăiesc și lucrează în prima perioadă. Al doilea segment este asociat cu epidemia de ciumă care a lovit Italia. La sfârșitul secolului al XIII-lea, clădirea principală a templului a fost ridicată în Florența - Catedrala Santa Maria del Fiore, autorul a fost Arnolfo di Cambio, apoi lucrarea a fost continuată de Giotto, care a proiectat campanilul Catedralei din Florența.

Benozzo Gozzoli a descris adorarea magilor ca pe o procesiune solemnă a curtenilor Medici

Cea mai veche artă a proto-Renașterii s-a manifestat în sculptură (Niccolò și Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Pictura este reprezentată de două școli de artă: Florența (Cimabue, Giotto) și Siena (Duccio, Simone Martini). Giotto a devenit figura centrală a picturii. Artiștii Renașterii l-au considerat un reformator al picturii. Giotto a conturat calea de-a lungul căreia a avut loc dezvoltarea sa: umplerea formelor religioase cu conținut secular, o trecere treptată de la imaginile plate la cele tridimensionale și în relief, o creștere a realismului, a introdus volumul plastic al figurilor în pictură și a înfățișat interiorul. în pictură.

Renașterea timpurie.

Perioada așa-numitei „Renașteri timpurii” acoperă perioada 1420-1500 în Italia. În acești optzeci de ani, arta nu a abandonat încă complet tradițiile trecutului recent, ci a încercat să amestece în ele elemente împrumutate din antichitatea clasică. Abia mai târziu, și doar încetul cu încetul, sub influența condițiilor de viață și de cultură din ce în ce mai schimbătoare, artiștii abandonează complet fundamentele medievale și folosesc cu îndrăzneală exemple de artă antică, atât în conceptul general al operelor lor, cât și în detaliile lor.

În timp ce arta în Italia urma deja cu hotărâre calea imitației antichității clasice, în alte țări a aderat de mult la tradițiile stilului gotic. La nord de Alpi și, de asemenea, în Spania, Renașterea începe până la sfârșitul secolului al XV-lea, iar perioada sa timpurie durează până la jumătatea secolului următor.

Înalta Renaștere.

Pieta (Michelangelo) (1499): în complotul religios tradițional, sentimentele umane simple sunt aduse în prim-plan - dragostea maternă și durerea

A treia perioadă a Renașterii - perioada celei mai magnifice dezvoltări a stilului său - este de obicei numită „Înalta Renaștere”. Se extinde în Italia din aproximativ 1500 până în 1527. În acest moment, centrul de influență al artei italiene de la Florența s-a mutat la Roma, datorită urcării pe tronul papal a lui Iulius al II-lea - un om ambițios, curajos, întreprinzător, care a atras la curtea sa pe cei mai buni artiști ai Italiei, ia ocupat cu numeroase şi importante lucrări şi a dat altora un exemplu de dragoste pentru artă . Sub acest Papă și sub urmașii săi imediati, Roma devine, parcă, noua Atena din vremea lui Pericle: în ea sunt construite multe clădiri monumentale, sunt create lucrări sculpturale magnifice, sunt pictate fresce și picturi, care sunt încă considerate perle de pictură; în același timp, toate cele trei ramuri ale artei merg armonios mână în mână, ajutându-se reciproc și influențându-se reciproc. Antichitatea este acum studiată mai amănunțit, reprodusă cu mai mare rigoare și consecvență; calmul și demnitatea înlocuiesc frumusețea jucăușă care era aspirația perioadei precedente; amintirile medievale dispar complet, iar asupra tuturor creațiilor de artă cade o amprentă complet clasică. Dar imitarea vechilor nu le îneacă independența în artiști, iar ei, cu o mare inventivitate și o imaginație plină de viață, refac liber și aplică lucrărilor lor ceea ce consideră potrivit să împrumute pentru ei înșiși din arta antică greco-romană.

Opera a trei mari maeștri italieni marchează apogeul Renașterii: Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarotti (1475-1564) și Raphael Santi (1483-1520).

Renașterea târzie.

Criza renascentista: Tintoretto venetian din 1594 a descris Cina cea de Taina ca pe o adunare subterana in reflectii tulburatoare de amurg

Renașterea târzie din Italia se întinde pe perioada cuprinsă între anii 1530 și 1590 și 1620. Unii cercetători consideră, de asemenea, anii 1630 ca fiind parte a Renașterii târzii, dar această poziție este controversată în rândul criticilor și istoricilor de artă. Arta și cultura din acest timp sunt atât de diverse în manifestările lor, încât este posibil să le reducă la un numitor doar cu un grad mare de convenție. De exemplu, Encyclopedia Britannica scrie că „Renașterea ca perioadă istorică coerentă s-a încheiat cu căderea Romei în 1527”. În sudul Europei, a triumfat Contrareforma, care privea cu prudență orice gândire liberă, inclusiv glorificarea corpului uman și învierea idealurilor antichității ca pietre de temelie ale ideologiei renascentiste. Contradicțiile viziunii asupra lumii și un sentiment general de criză au dus la Florența în arta „nervoasă” a culorilor inventate și a liniilor întrerupte - manierism. Manierismul a ajuns la Parma, unde a lucrat Correggio, abia după moartea artistului în 1534. Tradițiile artistice ale Veneției aveau propria lor logică de dezvoltare; până la sfârșitul anilor 1570. Acolo au lucrat Tizian și Palladio, a căror operă nu avea prea multe în comun cu criza din arta Florenței și Romei.

Arhitectură

Principalul lucru care caracterizează această epocă este revenirea în arhitectură la principiile și formele artei antice, în principal romane. O importanță deosebită în această direcție este acordată simetriei, proporției, geometriei și ordinii părților sale componente, așa cum o evidențiază în mod clar exemplele supraviețuitoare ale arhitecturii romane. Proporțiile complexe ale clădirilor medievale sunt înlocuite de un aranjament ordonat de coloane, pilaștri și buiandrugi, contururile asimetrice sunt înlocuite cu un semicerc de arc, o emisferă de cupolă, nișe și edicule. Cinci maeștri au adus cea mai mare contribuție la dezvoltarea arhitecturii renascentiste:

Biserica Duhului Sfânt din Florența (arh. F. Brunelleschi)

· Filippo Brunelleschi (1377-1446) - fondatorul arhitecturii renascentiste, a dezvoltat teoria perspectivei si sistemul de ordine, a readus multe elemente ale arhitecturii antice practicii constructiilor, a creat pentru prima data in multe secole cupola (a Catedralei din Florenta). ), care încă domină panorama Florenței.

· Leon Battista Alberti (1402-1472) - cel mai mare teoretician al arhitecturii renascentiste, creatorul conceptului ei holistic, a regândit motivele bazilicilor creștine timpurii din vremea lui Constantin, în Palazzo Rucellai creând un nou tip de reședință urbană cu o fațadă tratată cu rusticare și disecată de mai multe etaje de pilaștri.
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) - principalul arhitect al Renașterii târzii, care a condus grandioasa lucrare de construcție în capitala papală; În clădirile sale, principiul plastic este exprimat în contraste dinamice de mase aparent plutitoare, în tectonici maiestuoase, prefigurand arta barocă (Catedrala Sf. Petru, Scara Laurenziana).

Andrea Palladio (1508-1580) - fondatorul primei faze a clasicismului, cunoscut sub numele de Palladianism; ținând cont de condiții specifice, a variat la nesfârșit diverse combinații de elemente de ordine; un susținător al arhitecturii de ordine deschisă și flexibilă, care servește ca o continuare armonioasă a mediului, natural sau urban (vile palladiene); a lucrat în Republica Venețiană.

Costum renascentist

Este imposibil să vorbim despre orice formă specială de îmbrăcăminte din această perioadă se pot urmări doar tendințele în dezvoltarea formelor de costume, deoarece nu a existat un costum special al Renașterii. Alegerea rochiei a fost dictată de poșetă, modă, rang și decret guvernamental.

Hainele reflectau statutul social fără a fi o expresie de sine a individului. Oamenii trebuiau să se îmbrace în funcție de statutul lor social. Legile care restricționau dreptul de a cumpăra lux, adoptate în Evul Mediu, schimbate de-a lungul Renașterii, au împiedicat purtarea celor mai scumpe țesături de către oamenii din clasa inferioară, o situație în care un burgher arăta ca un conte era considerată inacceptabilă; Ar fi la fel de absurd, dacă nu chiar periculos, ca un rege să arate ca un țăran.

Culoarea preferată era roșu. Femeile și bărbații și-au împodobit rochiile și curelele cu arcuri și clopoței, așa că nu este de mirare că costumul german din acest timp, agățat cu clopote, a devenit ulterior proprietatea numai a bufonilor. Există o dorință generală notabilă atât în rândul bărbaților, cât și al femeilor de a-și face talia cât mai subțire posibil. Femeile au încercat să-și atingă idealul cu ajutorul șiretului, care le strângea hainele ca pe un corset.

Biletul 5

Pictura

Nicolas Poussin. „Dansez pe muzica timpului” (1636).

Interesul pentru arta Greciei și Romei antice a apărut încă din Renaștere, care, după secole din Evul Mediu, s-a îndreptat către formele, motivele și subiectele antichității. Cel mai mare teoretician al Renașterii, Leon Batista Alberti, încă din secolul al XV-lea. a exprimat idei care prefigurau anumite principii ale clasicismului și s-au manifestat pe deplin în fresca lui Rafael „Școala din Atena”

Arta Greciei Antice a jucat un rol vital în dezvoltarea culturii și artei omenirii. A fost determinată de dezvoltarea socială și istorică a acestei țări, care a fost profund diferită de dezvoltarea țărilor din Orientul Antic. În Grecia, în ciuda prezenței sclaviei, munca liberă a artizanilor a jucat un rol uriaș - până când dezvoltarea sclaviei a avut un efect distructiv asupra acesteia. În Grecia, în cadrul unei societăți de sclavi, s-au dezvoltat primele principii ale democrației din istorie, care au făcut posibilă dezvoltarea unor idei îndrăznețe și profunde care afirmau frumusețea și semnificația omului.

În timpul tranziției la o societate de clasă, în Grecia antică s-au format o serie de orașe-stat mici, așa-numitele politici. În ciuda prezenței a numeroase legături economice, politice și culturale, poleis-urile erau state independente și fiecare își urma propria politică.

Etapele dezvoltării artei Greciei Antice:

1. Grecia homerică(secolele 12-8 î.Hr.) - momentul prăbușirii comunității tribale și apariției relațiilor de sclavi. Apariția epopeei și a primelor monumente primitive de artă plastică.

2. Arhaic, sau perioada de formare a orașelor-stat deținute de sclavi (secolele 7-6 î.Hr.) - un timp de luptă între cultura artistică democratică antică și rămășițele și supraviețuirea vechilor relații sociale. Formarea și dezvoltarea arhitecturii grecești, sculpturii, meșteșugurilor, înflorirea poeziei lirice.

3 Clasic, sau perioada de glorie a orașelor-stat grecești (secolele 5-4 î.Hr.) - o perioadă de mare prosperitate a filosofiei, descoperiri științifice naturale, dezvoltarea poeziei (în special a dramei), o ascensiune a arhitecturii și victoria completă a realismului în artele frumoase. La sfârșitul acestei perioade a început prima criză a societății sclavagiste, dezvoltarea polisului a intrat în declin, ceea ce în a doua jumătate a secolului al IV-lea a provocat o criză în arta clasicilor.

3. perioada elenistică(sfârșitul secolelor IV-I î.Hr.) - o perioadă de redresare pe termen scurt din criză prin formarea de mari imperii. Cu toate acestea, foarte curând a apărut o agravare inevitabilă a tuturor contradicțiilor insolubile ale sclaviei. Arta pierde spiritul de cetățenie și naționalitate. Ulterior, statele elenistice au fost cucerite de Roma și incluse în imperiul ei.

poleis-urile erau în mod constant în dușmănie între ele, totuși s-au unit în cazul unui atac asupra Greciei de către un inamic comun (așa a fost cazul cu Persia și Macedonia). Fiecare cetățean avea dreptul de a participa la guvernare. Desigur, au existat contradicții interne între cetățenii liberi, exprimate adesea în lupta demosului (poporului) împotriva reprezentanților aristocrației.

În Grecia Antică, forța fizică și frumusețea erau apreciate în mod deosebit: competițiile pangrece erau organizate în Olimpia (Peninsula Peloponeziană). S-a păstrat timpul la Jocurile Olimpice și au fost ridicate statui pentru câștigători. Spectacolele teatrale, asociate inițial cu festivitățile religioase, inclusiv cele în cinstea patronilor politicilor (de exemplu, festivalul Marii Panathenaia pentru atenieni), au avut o mare importanță în dezvoltarea percepției estetice. Concepțiile religioase ale grecilor și-au păstrat legătura cu mitologia populară, astfel încât religia a fost împletită cu filozofia și istoria. O trăsătură caracteristică a bazei mitologice a artei grecești este antropomorfismul acesteia, adică umanizarea profundă a imaginilor mitologice.

Monumentele artei antice grecești în cea mai mare parte nu au ajuns la noi în originale multe statui antice ne sunt cunoscute din copiile romane antice din marmură. În perioada de glorie a Imperiului Roman (secolele I-II d.Hr.), romanii au căutat să-și decoreze palatele și templele cu copii ale unor statui și fresce grecești celebre. Deoarece aproape toate statuile grecești mari de bronz au fost topite în anii prăbușirii societății antice, iar cele de marmură au fost în mare parte distruse, adesea doar prin copiile romane, de obicei, de asemenea, inexacte, se poate judeca o serie de capodopere ale culturii grecești. . Pictura greacă din originale a supraviețuit cu greu. Frescele de natură elenistică târzie, reproducând uneori exemple anterioare, sunt de mare importanță. O idee despre pictura monumentală este dată de imaginile de pe vaze grecești. Dovezile scrise sunt, de asemenea, de mare importanță, dintre care cele mai faimoase sunt:„Descrierea Hellasului” de Pausanias,„Istoria naturală” de Pliniu„Tablouri” ale lui Philostrati, senior și junior,„Descrierea statuilor” de Callistratus,„Zece cărți despre arhitectură” de Vitruvius.

Arta Greciei homerice

(secolele XII - VIII î.Hr.)

Acest timp s-a reflectat în poezii epice -„Iliada” și Odiseea, despre care se crede că a fost scrisă de Homer. În timpul perioadei homerice, societatea greacă în ansamblu a păstrat încă sistemul tribal. Membrii obișnuiți ai tribului și clanului erau fermieri liberi, parțial păstori. Sclavia avea un caracter episodic și patriarhal a fost folosită (mai ales la început) munca de sclavie în gospodăria conducătorului tribal și a conducătorului militar - basileus. Basileus era șeful tribului și a unit în persoana sa puterea judecătorească, militară și preoțească. A condus comunitatea împreună cu consiliul bătrânilor - boule. În cele mai importante ocazii, s-a întrunit o adunare națională numită agora.

Arhitectura monumentală a templelor grecești antice, care își are originea în perioada homerică, a folosit și a reelaborat în felul său tipul de megaron care se dezvoltase în Micene și Tirint - o sală cu vestibul și portic. Caracterul ornamental expresiv al lumii egeene era străin de conștiința artistică a grecilor antici.

Cele mai vechi opere de artă care au ajuns până la noi sunt vazele.„stil geometric”, decorat cu modele pictate cu vopsea maro pe fondul galben pal al vasului de lut. Cea mai completă imagine a acestui stil este dată de vazele Dipylon. Acestea sunt vase foarte mari, uneori la fel de înalte ca o persoană și aveau un scop funerar sau de cult. Pe amforele Dipylon ornamentația este deosebit de abundentă: modelul constă cel mai adesea din motive pur geometrice, în special o împletitură de meandre (ornamentul de meandre s-a păstrat de-a lungul dezvoltării artei grecești). Au fost folosite și ornamente schematizate de plante și animale.

O caracteristică importantă a vazelor Dipylon ulterioare este introducerea în model a unor imagini primitive ale complotului cu figuri schematizate ale oamenilor. Aceste motive intriga sunt foarte diverse: ritualul de doliu al defunctului, o cursă de care, corăbii cu vele etc.

Sculptura acestei perioade a ajuns doar la noidar sub formă de mici lucrări plastice, de cele mai multe ori de natură cult. Acestea sunt figurine mici care înfățișează zei sau eroi, realizate din teracotă, fildeș sau bronz.

„Cal” și „ Hercule și centaurul", Olympia

„Plowman”, Beotia

„Apollo”, Beotia

Sculptura monumentală a Greciei homerice nu a ajuns în vremea noastră. Caracterul ei poate fi judecat din descrierile autorilor antici. Principalul tip de astfel de sculptură au fost așa-numitele xoans - idoli din lemn sau piatră.

Până în secolul al VIII-lea î.Hr. includ rămășițele monumentelor de arhitectură greacă timpurie.

Templul lui Artemis Orthia din Sparta (reconstrucție)

Ruinele templului din Thermos din Etolia s-au păstrat șicadru la Dreros din Creta. Au folosit unele tradiții ale arhitecturii miceniene, în principal un plan general asemănător unui megaron: vatra-altarul a fost așezat în interiorul templului, iar pe fațadă au fost așezate 2 coloane. Cele mai vechi dintre aceste structuri aveau pereți din cărămidă de noroi și un cadru de lemn pe o bază de piatră.

Arta arhaică greacă

(secolele VII-VI î.Hr.)

Puterea șefului tribului - basileus - datează din secolul al VIII-lea. î.Hr. a fost foarte limitată de dominația aristocrației tribale - eupatridele, care concentrau bogăția, pământul, sclavii în mâinile lor - și apoi, în secolul al VII-lea. BC, a dispărut complet. Perioada arhaică a devenit un timp de luptă de clasă acerbă între nobilimea clanului și popor. Eupatridele au căutat să înrobească membrii comunității libere, ceea ce ar putea conduce societatea greacă pe calea statelor sclavagiste din est. Nu întâmplător unele monumente din acest timp seamănă cu arta antică orientală. Victoria completă sau parțială a masei largi de țărani liberi, artizani și comercianți a dus la înființarea versiunii antice a unei societăți de sclavi.

În secolele VII-VI. î.Hr. Așezările grecești s-au extins - s-au format colonii de-a lungul țărmurilor Mării Mediterane și Mării Negre. Așezările din sudul Italiei și Sicilia - așa-numita Magna Graecia - au fost deosebit de importante în istoria ulterioară a culturii grecești antice.

În perioada arhaică, a apărut un sistem de ordine arhitecturale, care a stat la baza întregii dezvoltări ulterioare a arhitecturii antice. În același timp, pictura în vază a înflorit și calea spre înfățișarea unei persoane frumoase, dezvoltate armonios în sculptură a fost conturată treptat. De asemenea, importantă este compoziția poeziei lirice, ceea ce înseamnă interes pentru lumea sentimentelor personale ale unei persoane.

Evoluția sculpturii grecești

În general, arta perioadei arhaice este convențională și schematică. Miturile și poveștile antice sunt reflectate pe scară largă în artele plastice. Spre sfârșitul perioadei arhaice, temele preluate din realitate au început să pătrundă tot mai mult în artă. Până la sfârșitul secolului al VI-lea î.Hr. tendinţele clasice încep să intre în conflict tot mai mare cu metodele şi principiile artei arhaice.

Chiar și în cele mai vechi timpuri, arta greacă a creat un nou tip de clădire, care a devenit o reflectare a ideilor oamenilor - templul grecesc. Principala diferență față de templele din Orientul Antic a fost că era centrul celor mai importante evenimente din viața publică a cetățenilor. Templul era depozitul vistieriei publice și al comorilor artistice, piața din fața lui era un loc de întâlniri și sărbători. Formele arhitecturale ale templului grecesc nu s-au dezvoltat imediat.

Tipuri de temple grecești

Templul ridicat lui Dumnezeu avea întotdeauna fațada principală orientată spre est, iar templele dedicate eroilor îndumnezeiți după moarte erau orientate spre vest, spre împărăția morților. Cel mai simplu și mai vechi tip de templu arhaic de piatră a fost templu „în antas”. Era format dintr-o cameră mică - pompa, deschis spre est. Pe faţada ei, între antami(adică proeminențele pereților laterali) au fost plasate 2 coloane. Nu era potrivit pentru structura principală a polisului, așa că a fost folosit cel mai adesea ca o structură mică, de exemplu, trezoreria din Delphi:

Un tip mai avansat de templu a fost prostil, pe fațada frontală din care au fost amplasate 4 coloane. ÎN amfiprostil o colonadă împodobește atât fațada din față, cât și cea din spate, unde era o intrare în vistierie.Tipul clasic de templu grecesc a fost peripter, adică templul avea o formă dreptunghiulară și era înconjurat pe toate cele 4 laturi de o colonadă. Elementele de bază ale designului peripterului sunt de origine simplă și profund populară. La origini, designul se întoarce la arhitectura din lemn cu pereți din chirpici. De aici există un acoperiș și grinzi în două frontoane, coloane care se ridică la stâlpi de lemn. Arhitecții Greciei Antice au căutat să dezvolte posibilitățile artistice ascunse în designul clădirii. Așa a apărut un sistem arhitectural clar și integral, cu semnificație artistică, care mai târziu, printre romani, a primit numele mandate, care înseamnă ordine, structură.

În epoca arhaică, ordinea grecească s-a dezvoltat în două versiuni - doric și ionic. Aceasta corespundea celor două principale școli locale de artă. Ordinul doric a întruchipat ideea de masculinitate și ionic- feminitatea. Uneori, în ordinea ionică, coloanele au fost înlocuite cu cariatide - statui ale femeilor îmbrăcate.

Sistemul de ordine grecesc nu era un șablon repetat mecanic în fiecare decizie. Ordinea era un sistem general de reguli, iar soluția a fost întotdeauna de natură individuală creativă și a fost în concordanță nu numai cu sarcinile specifice ale construcției, ci și cu natura înconjurătoare, iar în perioada clasică - cu alte clădiri ale arhitecturii. ansamblu.

Templul doric-peripterus a fost separat de pământ printr-o fundație de piatră - stereobat, care a constat din 3 trepte. Log in naos(o cameră dreptunghiulară a templului) a fost situată în spatele colonadei pe partea laterală a fațadei principale și a fost decorată cu un pronaos, care amintește de un portic în design„Templul în furnici” Uneori, pe lângă naos, mai era și opistodom- o camera in spatele pompei, cu iesire spre fatada din spate. Naos a fost înconjurat din toate părțile de o colonadă -"pteron"(aripă, peripter - templă înaripată pe toate părțile).

Coloana era cea mai importantă parte a ordinului. Coloana ordinului doric în perioada arhaică era ghemuită și puternică - înălțimea este egală cu 4-6 diametre mai mici. Trunchiul coloanei a fost tăiat printr-o serie de șanțuri longitudinale - flaut. Coloanele ordinului doric nu sunt cilindri precisi din punct de vedere geometric, pe lângă îngustarea generală în sus, aveau o oarecare îngroșare uniformă la înălțimea de o treime; entază.

Coloana de ordin ionic este mai înaltă și mai subțire în proporții, înălțimea sa este egală cu 8-10 diametre mai mici. Avea o bază din care părea să crească. Flautele, care în coloana dorică convergeau într-un unghi, în coloana ionică erau separate prin tăieturi plate de margini - acest lucru făcea ca numărul liniilor verticale să pară să se dubleze și datorită faptului că șanțurile din coloana ionică au fost tăiate. mai adânc, jocul de lumini și umbre de pe el era mai bogat și mai pitoresc. Capitelul avea un echinus formand 2 bucle gratioase.

Sistemul de ordine doric în principalele sale caracteristici s-a dezvoltat deja în secolul al VII-lea. î.Hr. (Peloponez și Magna Grecia), ordinul ionic s-a dezvoltat spre sfârșitul secolului al VII-lea. î.Hr. (Asia Mică și insula Grecia). Mai târziu, în epoca clasică, s-a dezvoltat al treilea ordin - Corintic - apropiat de cel ionic și remarcat prin faptul că în acesta coloanele erau mai alungite proporțional (până la 12 diametre mai mici) și erau acoperite cu un luxuriant în formă de coș. capitel, compus din ornamente florale - frunze stilizate de acant - si bucle (volute).

Templele anterioare aveau adesea capiteluri prea grele sau trunchiuri de coloane prea scurte, raportul de aspect al templului era adesea disproporționat. Treptat, toate neajunsurile au dispărut.

Templul Herei (Heraion) din Olympia, secolul al VII-lea. î.Hr.

Templul lui Apollo din Corint (Peloponez), etajul 2. secolul al VI-lea î.Hr.

Colorarea și-a găsit locul în arhitectura arhaică, culorile principale erau cel mai adesea combinații de roșu și albastru. Au fost pictate timpanele frontoanelor și fundalul metopelor, triglifelor și altor părți ale antablamentului, iar sculptura a fost și pictată.

Templele din Ionia, i.e. orașele de pe coasta Asiei Mici și insulele erau deosebit de mari ca dimensiuni și luxoase ca decor. Acest lucru s-a reflectat în legătura cu cultura Orientului. Aceste temple s-au dovedit a fi departe de linia principală de dezvoltare a arhitecturii grecești. Arhitectura clasică a dezvoltat toate cele mai bune aspecte ale ordinii ionice, dar a rămas străină de luxul luxuriant, această caracteristică a fost dezvoltată doar în epoca elenistică. Cel mai faimos exemplu de temple arhaice din Ionia este templul lui Artemis din Efes (a doua jumătate a secolului al VI-lea î.Hr.) - diptere, de peste 100 m lungime

Modelul unui templu din Istanbul în Parcul Miniaturk

Perioada arhaică a fost o perioadă de înflorire a meșteșugurilor artistice, în special a ceramicii. De obicei, vazele erau acoperite cu pictură artistică. În secolul al VII-lea și mai ales în secolul al VI-lea. î.Hr. S-a dezvoltat un sistem de forme permanente de vaze care aveau scopuri diferite. Amfora era destinată uleiului și vinului, craterul era pentru amestecarea apei cu vinul în timpul unei sărbători, se beau vin din kylix, iar tămâia era depozitată în lekythos pentru libații pe mormintele morților. În perioada arhaică timpurie (secolul al VII-lea î.Hr.), un stil care imita Orientul a dominat în pictura în vază grecească o serie de ornamente au fost împrumutate din Orient. În secolul al VI-lea. î.Hr. a sosit așa-numita pictură în vază cu figuri negre. Ornamentul cu model a fost înlocuit cu un model clar de siluetă.

Pictura în vază cu figuri negre a atins cea mai mare înflorire în Attica. Numele uneia dintre suburbiile Atenei, faimoasă în secolele VI și V. î.Hr. de către olari săi, - Keramik - a devenit numele produselor realizate din lut copt.

Craterul lui Clytius, realizat în atelierul lui Ergotim (560 î.Hr.) sau vaza lui Francois

Cel mai faimos pictor de vaze attice este Exekius. Printre cele mai bune lucrări ale sale se numără un desen pe o amforă care îi înfățișează pe Ajax și Ahile jucând zaruri și o imagine a lui Dionysos într-o barcă (fundul unui kylix):

Picturile în vază ale unui alt maestru, nu mai puțin celebru, Andokidas, sunt cunoscute pentru motivele lor realiste, care uneori intră în conflict cu tehnicile de pictură în vază arhaică plană: o amforă cu imaginea lui Hercule și Cerber (Muzeul de Stat de Arte Frumoase Pușkin).

Picturile cu vaze târzii cu figuri negre au oferit, pentru prima dată în arta greacă, exemple de compoziție cu mai multe figuri în care toate personajele erau într-o relație reală. Pe măsură ce realismul a crescut în arta greacă, pictura în vază a arătat o tendință de a depăși planeitatea. Acest lucru a condus în jur de 530. î.Hr. la o întreagă revoluție în tehnica picturii în vază - la trecerea la pictura în vază cu figuri roșii, cu figuri ușoare pe fond negru. Exemple excelente au fost create în atelierul lui Andokida, dar toate posibilitățile au fost pe deplin dezvăluite deja în perioada artei clasice.

Dezvoltarea sculpturii arhaice a fost contradictorie. Aproape până la sfârșitul perioadei arhaice, au fost create statui de zei strict frontale și nemișcate. Acest tip de statuie include:

Hera din insula Samos șiArtemis din insula Delos

Zeiță cu rodie, Muzeul din Berlin

Siluetele așezate ale conducătorilor se distingeau prin spiritul lor oriental ( arhonti) plasat de-a lungul drumului către templul antic al lui Apollo (Didymeion) lângă Milet (în Ionia). Aceste statui de piatră schematice, simplificate geometric, au fost realizate foarte târziu - la mijlocul secolului al VI-lea. î.Hr. Imaginile conducătorilor sunt interpretate ca imagini de cult solemne. Astfel de statui erau adesea de dimensiuni colosale, imitând și Orientul Antic în acest sens. Deosebit de tipice perioadei arhaice au fost statuile goale de eroi sau, mai târziu, războinici - kouros. Apariția imaginii lui kouros a fost de mare importanță pentru dezvoltarea sculpturii grecești, imaginea unui erou sau războinic puternic și curajos a fost asociată cu dezvoltarea conștiinței civice și a noilor idealuri artistice. Dezvoltarea generală a tipului kouros a mers către proporții din ce în ce mai adevărate și o îndepărtare de ornamentația decorativă convențională. Acest lucru a necesitat schimbări radicale în conștiința umană, care au avut loc după reformele lui Clisthenes și sfârșitul războaielor greco-persane.

O caracteristică a artei antice a fost interesul ei accentuat pentru om, care era tema principală. Grecii nu aveau interes pentru mediu: au început să acorde atenție peisajului abia în perioada elenistică. Cu toate acestea, în arta greacă nu a existat un cult al individului, acesta avea să apară mai târziu - în timpul erei elenistice în Roma Antică; Între timp, a dominat idealul estetic, bazat pe o idee generalizată a frumuseții corpului uman, în ton cu cosmosul locuit de zei. Grecii considerau omul ca pe un microcosmos, creat prin analogie cu macrocosmosul. Prin urmare, portretul în arta greacă a fost slab dezvoltat, ceea ce nu înseamnă că transmiterea unei game complexe de sentimente și experiențe umane era străină grecilor. Ei au rezolvat această problemă prin alte mijloace și în alte forme de artă (teatru antic, literatură, muzică etc.) Aceasta a fost vremea filozofilor Platon și Aristotel, dramaturgi - autorii marilor tragedii ale lui Sofocle, Eschil și Euripide și alți clasici ai culturii antice.

În ceea ce privește sculptura greacă, expresivitatea imaginii se afla în întregul corp uman, în mișcările sale, și nu doar în față. În ciuda faptului că multe statui grecești nu și-au păstrat partea superioară (cum ar fi „Nike of Samothrace” sau „Nike Untying Sandals” și altele) și au venit la noi fără cap, uităm de acest lucru când ne uităm la imaginea holistică a soluției plastice. . Deoarece sufletul și trupul au fost gândite de greci ca o unitate indivizibilă, corpurile statuilor grecești sunt neobișnuit de spiritualizate. Din această perioadă aparțin celebrele statui „Aruncător de discotecă”, „Băiat care își scoate un spin de pe călcâi” și altele. Fețele statuilor antice din perioada clasică sunt asemănătoare între ele și numai în secolul al IV-lea. î.Hr. - în perioada clasicilor târzii - arta începe să graviteze spre o mai mare specificitate și caracter al imaginii.

În acest moment, puterea politică a Atenei a fost zguduită, subminată de un lung război cu Sparta, care s-a reflectat și în artă. Se intensifică și contradicțiile interne ale polisului, ceea ce duce și la o încălcare a armoniei și păcii, dând loc anxietății interne și dramatismului imaginilor create în acest moment în artă. În sculptură, natura mișcărilor și a pozițiilor se schimbă considerabil. Aceste tendințe se dezvăluie în mod vizibil în arta plastică a sculptorilor Praxiteles și Skopas. Dacă în perioada arhaică s-a acordat preferință figurilor drepte, atunci în epoca clasicilor maturi au apărut mișcări netede care păstrau o stare de stabilitate și pace interioară, iar deja la clasicii târzii figurile aveau nevoie de un fel de punct de sprijin extern (de exemplu , „Amazonul rănit” se sprijină pe o semicoloană). Lui Praxiteles și artiștilor cercului său nu le plăcea să înfățișeze trunchiurile musculare ale sportivilor, preferând frumusețea corpului feminin cu tranzițiile sale netede și moi ale volumului, astfel încât bărbații aveau adesea un aspect efeminat. Și deși aproape nicio lucrare originală a lui Praxiteles nu a supraviețuit, doar copii romane, spiritul său arta este transmisă de micile arte plastice grecești - figurine de lut Tanagra (în colecția Ermitage), care transmit grația vie sunt visătoare, gânditoare, afectuoase și viclene - toate acestea caracterizează arta lui Praxiteles; Spre deosebire de el, Skopas a fost un artist al furtunii, pasionat și impetuos, de aceea mișcările imaginilor sculpturale pe care le-a creat sunt la fel de impetuoase și dinamice ca el însuși. Scenele sale din bătălia cu amazoanele transmit răpirea luptei, fervoarea beată a luptei. Imaginea „Maenadei” apare într-o furtună de dans dionisiac ea își încordează tot corpul, arcuindu-și trunchiul și aruncând capul înapoi, ca un arc tras. Sculptură arhaică greacă elenism

Asemenea imagini nu au mai fost văzute până acum în arta greacă, care se distingea prin armonia sentimentelor și trupului și claritatea spiritului. Acum, mișcările sculpturilor transmit o furtună de sentimente. Astfel de schimbări sunt cauzate de atmosfera socială tensionată a decăderii și morții democrației grecești. Acest lucru a început prin capturarea întregii Grecie de către Macedonia și cuceririle lui Alexandru cel Mare, care a fondat o monarhie uriașă care se întindea de la Dunăre până în India. Tutorul lui Alexandru a fost însuși Aristotel, iar artistul său de la curte a fost Lysippos, care a fost ultimul mare sculptor al clasicilor târzii care a creat o imagine plastică faimoasă a elevului său în secolul al IV-lea. î.Hr.

Cu toate acestea, în ciuda faptului că Alexandru a fost crescut cu cele mai bune exemple de artă antică, după ce a capturat Persia și Egiptul, a început să planteze cultele culturilor orientale, proclamându-se zeu și cerând să i se acorde onoruri divine în spiritul faraonii egipteni: l-au slăvit prin imnuri, i-au înălțat puterea și înțelepciunea. Democrația deținătoare de sclavi este înlocuită de o monarhie deținătoare de sclavi. Venire epoca elenistică, când două culturi se unesc sub auspiciile monarhiei – elenă și răsăriteană.

Dar deja în secolul al III-lea. î.Hr. singura putere creată de Alexandru cel Mare se descompune în mai multe state monarhice formate în Egipt, Siria și Asia Mică. Acum, cultura antică a erei elenistice, la rândul său, începe să influențeze cultura Orientului. Sculptura egipteană începe să semene cu sculptura greacă în trăsăturile sale: devine mai democratică și arată interes pentru oameni. Centrul culturii antice din Orient devine noul oraș al Egiptului - Alexandria, unde filozofia și științele exacte se dezvoltă cu succes. Oamenii de știință de renume mondial Arhimede și Euclid au trăit și au făcut marile lor descoperiri în Alexandria. Și Aristarh din Samos, cu optsprezece secole înainte de Copernic, a dovedit rotația Pământului în jurul Soarelui.